日本のガラス選抜展／東急本店 その他

こちらは東急本店ではなく前回と同じ小さなギャラリーです。場所が近いので行く予定にしていたのですが、タイミングの都合で行けませんでした。ガラスのおひな様はなかなかのアイデア。写真で見ても、どれもお雛様らしい様子がよく出ています。しかしジャンルとしてはやはり人形ではなくてガラス工芸でしょう。

こちらもはがきを頂いたので昨日、久しぶりに渋谷の東急百貨店本店まで出かけてきました。やはり選抜だけあって完成度が高い見事な作品群です。当然ながら、私がガラス学校時代に作ったようなものとは大違い。器などはなく、すべてがオブジェで、多くはLEDランプ付き。これからのガラスのオブジェはLED組み込みが普通のことになってゆきそうです。

日曜日の夕方でしたが、今回の選抜展は比較的規模が小さく、場所が奥まった場所にあることもあってか、行ったときは他に客がおらず、少々入りづらかったで す。入口付近にデパートの男性店員が三人ほど、受付の席らしい位置に女性が一人。入って行くとこの女性が会釈してくれたので、会釈を返して一応タイミング はOK。男性店員の人たちからの視線はなかったものの、こちらがどういう種族というか、まあはっきり言ってどういう階層の人間なのか見定めようとするのは立場上まあ当然でしょう。当方ももういい年 になってしまったので、若いころとはまた違った見られ方をするのは致し方ありません。まあとにかく高額美術品の購入層でもなく、かといって制作への意欲を 持ち続けているわけでもなく、それでもなおかつガラス工芸には少々のこだわりを持ち続けている、気になるというのが正直なところで、少し硬い言葉でいえば 美学的な関心と言えるものかも知れないですね。しかしだれにとっても美学こそが人間を完結させるものといえるのではないか、という考え方も最近読んだ哲学書に触発されて折に触れ反芻している次第なのです。よく、何かと美学、美学と口酸っぱく言う人がいます。気障な印象を受けることもありますが、それなりに納得できる人生観ではあります。

後から子供づれの訪問客が入ってきましたが、 すぐに帰ったようです。帰りの際もそのギャラリー訪問者は唯一人の状況となりました。

渋谷で見る東京の空もなかなかきれいなものです。やはりよく言われるように日本は大気汚染対策が進んでいるのでしょうか。

さすがに今回は会場の写真を撮るわけにもゆかないので街の光景を何枚か撮ってしまいました。かつてならこんなところで街の写真を撮ることなど考えなかったものですが。

最近は渋谷にも縁遠くなり、会場の東急百貨店本店に行くまでにうっかり三叉路を間違えて迷ってしまう始末。この店自体が三叉路にあり、まあ東京全体が三叉路だらけの都市です。しかし広い三叉路やT字路は歩行者にとって街を眺めるには都合の良いものです。

この秋連続2回のガラス展

結構長い期間に及んで自らガラス工芸作家を目指す気持がなくもなかったこともあり、このブログでも何やらガラス工芸の意義とか、目指すべき方向とか、あまり面白くもないことを時々ではあれ書き続けてきましたが、もう歳も歳。もうそういうことは意識せず、これからは訪ねる機会に恵まれたギャラリーや展示会を訪ねた折に率直に目を楽しませていただくことにしたいと思います。とはいえ、意識せずにまた何やら独りよがりのことをつぶやいたりするかもしれませんが。

最初は三越デパートで行われたGLASS今日展

いや本当に年ごとに、見るたびに、美しい作品が増えてきているように思います。去年に見せてもらった大規模なガラス工芸協会展よりも良かったかも。もっともデパートのギャラリーなのであまり前衛的な、個性的な作品は出品されなかったからなのかもしれませんが。とすると当方もやっぱり、あまり個性的で芸術的な作品への理解がない俗物ということなのかも。

こちらは東武百貨店での個展。同じ時期なので当然ですが、上記の今日展と同じ傾向で、同様に余裕があれば欲しくなる作品群です。透明ガラスに金の透かし文様の入った小さな脚付きグラスが気に入りましたが、金ではなく銀だたとのことでした。

やはり三越と東武デパートではかなり個性が異なるようです。デパートとしての個性というより、いろいろな条件が重なった上での違いということかもしれませんが。しかしやはりデパート独自のこせいもあるし、良くも悪くもデパート一般としての個性もある。そんなことなどを一人考えるのもそれなりに面白く、楽しませていただきました。

東京カテドラルと大阪カテドラル

先日、テレビ東京の番組『美の巨人たち』で丹下健三設計による東京カテドラルが紹介されているのを見ました。この建物は近くを通った折に見た記憶がありましたが、傍まで近づいてみたことはなかったので、歩いても行ける距離にあることもあって改めて近くで眺めてみたいものだと思い、先日、夕方になってから行きは地下鉄、帰りのみ徒歩で見にいってきました。と言っても番組をみて特別にこの建築に感動したとか、あこがれる気持ちがかきたてられたというよりも、自分の印象を確認してみたいと思った次第なのです。というのもこの建築は確かに見ごたえのある建築で、眺めて楽しめる見物ではあると思いますが、特別優れているようには思えなかったし、個人的にあまり好きであるとは言えなかったからです。もう一つ確認してみたいと思った理由は、今年の春に大阪のやはり聖マリア大聖堂という建築を始めて見て、建築として結構気に入っていたのですが、その大阪カテドラルと比べてこちらの東京カテドラルがあまりにも違ったコンセプトで設計されたような印象だったので、その違いについても考えてみたかったという次第です。

確かに見ごたえのある美しい造形物で、眺めて面白いのですが、四方に向かって鋭角的に突出して見える点で、個人的には建築としてはあまり好感が持てません。こういう突出のしかたはなんだか攻撃的な感じで、尖塔が真っ直ぐに天に向かって伸びているのとは意味が違うような気がします。形としては面白いと言えますが。

 この種の曲面も、見方によっては薄い板を曲げたのような印象で、個人的にはあまり好きではないですね。巨大であるので見ごたえはありますが。

 

正面エントランスも、個人的には何かエジプトかメソポタミアの神殿か、あるいは城塞のような印象で、カトリック教会的な印象とは少し違うような気がします。こういう造形が現在日本のカトリック信者の心情を表現していると言えるのかどうか、何とも言えませんが。

以下は今年の春に撮影した大阪カテドラル、聖マリア大聖堂玉カトリック造教会。東京カテドラルの印象とはずいぶん違います。どちらもヨーロッパ中世以来の大聖堂とはスケールも造形も大きく異なっているのは当然ですが、こちらの方がカトリック教会的な香りが感じられるし、「聖マリア」の名前にもふさわしいような。個人的に特に気に入っているのは窓のデザインです。たくさんの窓の形と配置が美しいと思います。最近の造形を重視した建築は窓の美しさが忘れられる傾向があるような気もしますが。

設計した建築家は長谷部鋭吉という人物で、今回、ウィキペディアで初めて知りました。
http://ja.wikipedia.org/wiki/%E9%95%B7%E8%B0%B7%E9%83%A8%E9%8B%AD%E5%90%89
生年は1885年で、丹下健三氏よりも一回り以上年配ですね。大阪カテドラルが竣工した1963年の3年前の1960年に逝去しています。丹下健三設計の東京カテドラルは1964年落成とのことなので、この二つのカテドラルは殆ど同時に完成していたわけです。当時もちろん私も生きていて十歳は超えていたはずですが、そんなことは全く知る由もなかった。

以前の住友銀行本店であった住友ビルもこの建築家の作品だそうですが、このビルはこれまで結構何度も見たことがあり、成程、とわかるような気がします。清潔な印象が印象があります。

この建築家を紹介した次のサイト
http://www.uma.vc/hasebe/index.html
もそのうち、落ち着いて読んでみたいと思っています。

9月13日追記： 写真一枚の追加です

(9/25 追記)
面白いのは、長谷部鋭吉が東京生まれで最終的に関西で活動したことと、丹下健三が大阪生まれで東京で活動したということ、とは言っても父親の一時的な勤務地に過ぎなかったようで、あまり意味はなさそうです。

『2013エスキース展―創作の内側Vol.2』(IGAA)を訪問

今回は余談が多くなりそうです。

― この日は都議選で、夕方近くなって投票を済ませてから、投票所からそのまま30分ほど歩いて展示会場まで行ってきました。

地図とグーグルマップの写真から予測できましたが、非常にささやかな展示場です。外から展示スペース全体が完全に見えますが、人は見当たりません。ガラスのドアを開けて入ると、右の方通路のような空間から予想通り、担当の方が現れましたので、ちょっと挨拶をして展示品を見せていただきました。―


以上は先月（7月）あたりに書きかけた記事です。今日まで書きかけ保存のままでした。


先月も参議院選挙で同じ投票所に行ったこともあって、ちょうど6月の都議選から一か月目に思い出しながらこの記事を書き始めたのですが、なぜかまたまた書きかけのままに、さらに半月以上が経過してしまいました。その後やや仕事が忙しくなり、また書きかけで放置。

とかく気が滅入ることの多い昨今、まあ先般の二回の選挙などもそうかもしれませんが、ガラス工芸など、工芸や工芸文化にとってもあまりぱっとしない時代になってきたような気もします。そんな現在でも永く作品作りを続けてきたベテラン作家もいれば志をもった若い作家もどんどん輩出しているようです。担当の方のお話でも、ガラス工芸の若い志望者は増加し続けているようです。多くの大学にガラス工芸のコースができたことも大きな要因のようです。

本当にそうなるかどうかはわからないものの、人口も減少傾向が続き、経済的にも衰退し、格差が広りつつあるとも言われる今の日本の現状で、こういうガラス工芸の傾向はどういう意味をもつのかな、などと考えこんでしまうこともありますね。


私自身もかつてガラス工芸をやろうと思って2年間、学校に通った経験があるわけですが、もちろん個人的に動機は様々ではあるとはいえやはり時代に共 通する動機のようなものもあるように思います。その点で今の若い学生や作家も当時も変わっていないのだろうか、あるいは変わっているのだろうかといった関 心を覚えてしまいました。

しかしまあ、こんなことも考えながら書き始めると収集がつかなくなるので、前回からも考え続けていた一つのテーマについてまたちょっと考えてみました。


この展覧会は、エスキース展というタイトルからも想像できるとおり、形式としては殆どがオブジェと言われるところの、機能ないし用途を持たないものが多数派でした。前回から考え続けてきたように、やはりガラスは素材の特徴から言ってそういう方向に向かう傾向を止められないような気もします。しかし、鑑賞者、あるいは購入して所有したいと思う立場からすれば、やはり対象は器を初めとする何らかの機能を持つものに向かう傾向はいつまでも変わらないように思われます。

他方、作者としてはよく「機能を持つもの」は機能という制約があって自由な構想と表現の妨げになるものと考えがちなのではないかと思うのですが、機能を制約というよりも形式と考え、形式の持つ意味、形式自体が持つ表現と言えるものをも取り込み、利用するという考え方も可能であると思います。現実に器などのすぐれた作品では意識的か無意識的かをとわず、あるいは巧まずしてそれが実現できている場合が多いのではないでしょうか。

また、現実に実用になるという局面では、ガラスはどうしても陶磁器にくらべて用途が限られるので、かえって形式として表現に利用するということを意識的に行えるという面もあるかもしれません。

他方、新しい形式、あるいは用途を開発するという行き方もあるように思うのですが、この行き方では意外と展開が少ないように思います。ただ近年、LEDランプの実用化が進んだことで、照明器具の方面で可能性が広がってきたように思います。これは、先般の寺澤氏の展示会でも、前回記事の広沢さんの展示会作品にも何点かありましたが、もっと多様に広がってきても良いのではないでしょうか。蛍光灯はもちろん、白熱灯に比べても工芸的に用いるには圧倒的に有利な点が多いと思います。

前々回の記事にて書籍向きの文鎮を提案してみましたが、それもこのつながりで、見直してみていただければ、まあ個人的には嬉しい限りですが。他にも新しい形式、分野、用途の開発に期待したいところが個人的には大です。

人は誰でも、いわば「宝物」を所有したい気持ちがあるとも言えます。もちろん工芸品に限ったことではないにしても、特に工芸にはその点で他の芸術、特に詩や音楽や演劇などとは異なるところがあるのではないか、という気もします。

WADA TADAMI + HIROSAWA YOKO、ceramic & glass －文京区湯島 COM GALERY にて

タイトルは案内状表書きそのままですが、裏面の日本語タイトルは「陶とガラス　和田忠実　広沢葉子 ― 茶碗とボウル、小さな蓋物 ―」でした。

二三年ほど前でしたか、同じ場所で同じ展示会を訪れました。あまり時代と流行に流されない着実な（私見ですが）お二人の展示会で、特に陶磁器の方は実際に使いたいものを見つけることができるので、実際またここで開かれる事を少々期待していたこともあります。

実際の印象は、特に色調の印象は冒頭の案内状の写真とはかなり違っていたように思います。以下数枚の写真を撮らせていただきました。

 

まあ私のようなまったく優雅とは言えない生活をしている者にとって、実際に使うものを調達するとなるとどうしても陶器か磁器を選ぶ機会が多くなるのは致し方ないですが、それにしてもガラスと陶磁器の特徴がそれぞれよく感じられ、気持ちのよいコントラストが感じられる展示でした。

もうちょっとアップで撮影させてもらえばよかったと多少後悔。

今回の小皿。今回は全般に、皿の外側に模様が入っているのが特徴のようでした。

ちなみにこれは前回購入した急須。今回４番目の写真、二つ並んだ急須の左側がこれと同じ基本形に見えます。どちらが良いかは結局は当然好みとしか言えませんが、選ぶとなると難しいところ。

（5月26日）

 

 

新タイプの文鎮ないしペーパーウェイト ―― 工芸家の方々への提案

ガラスなどの工芸品でこういうものが欲しいのだが、というものが以前からありました。それが表記のように一種の文鎮なのですが、今回ここに、やや具体的に提案させていただこうと思います。簡単に行ってしまえば本のページ押さえということになると思います。ただ、「ページ押さえ」という用語は現在、書見台の部品として使われているようです。


普通、文鎮またはペーパーウェイトと言えば、書道で半紙を押さえるために使う細長い金属製のものか、あるいはガラスや陶器などの底が真っ平らでマッシブな置物風のデザインが思い浮かぶものと思いますが、この種の文鎮は昨今の一般人の現代生活では出番が少なくなってきているように思います。たとえば以前テレビ番組で見たのですが、ドビュッシーが日本の陶器製のカエルの置物を文鎮に愛用して楽譜を書いていたという話がなぜか記憶に残っています。このような芸術家の優雅な作業環境も昨今のOA機器で占領された作業環境ではあまり縁のないようなものになってきたようです。

一方で本、すなわち書籍やノート類はかつてと変わらず現代人の生活にも欠かせないものであり続けているように思います。そのような本を読んだり、参照したりする際、いつも困っていたことのひとつが、開いたページをそのままに保っておくことができない場合が多いということなのです。特に本を参照しながらメモをとったり、パソコンのキーボードをたたいたり、というような場合、本当に困ることが多いのです。記憶力が衰えるにつれ、これは切実な問題ともいえるように思います。

そこで、次のような、書物用の文鎮で工芸品としても魅力のあるものが欲しいなと思うようになった次第です。とくにガラスや陶磁器、特に磁器、あるいは金属など、重量のある素材が適していると思います。重さからいえば金の延べ棒などそのまま使える場合もありそうですが、お金のある人は金やプラチナを使うのも良いかもしれませんね。まあデザインにもよりけりですが、個人的にはガラスか磁器が好みです。

次にデザインコンセプトを3例、挙げてみます。

１．単一平面タイプ

簡単すぎる図ですが、下の二つのアーチ状のものが開いた本のつもりです。これは断面なので、高さは考慮していません






２．2点（あるいは2線または2面）タイプ

本の両側のページを2か所で押さえるタイプです。これが一番コンパクトで実用的なものができるように思います。







３．全面または全幅を覆うタイプ

これは必ずしも本の全体を覆う必要はないと思いますが、それでも大きなものになってしまうのが欠点でしょう。全体を覆うとすれば板ガラスのような材料を使うしかなさそうです



以上は机などの平面上で使うものですが、書見台などと組み合わせるのも一つの可能性と思います。ちなみに、書見台風のものでは筆者も具体的な考案を行い、とりあえずということで特許を出願してしまいました。とりあえず出願しておいたまでで、あまり具体的に考えているわけではありませんが、ガラスや陶磁器や金属工芸との組み合わせもありかな、などと考えることもあります。次のページで公開していますので、一応ご紹介まで。
http://www.te-kogei.com/patent/koho_shomidai.html

以上。

『寺澤彰紘 硝子展』、5月14日、銀座ギャラリー陶悦にて

いつものことながら最終日間近に訪問することになってしまい、当然、残された作品しか見られず、全貌を拝見できることが叶わない状態でこのような記事を書くの申し訳ないかもしれないですが、まあお許し願います。


以前と変わらず、基本的に実際に使える身近な作品というコンセプトで一貫しているように見受けられる作者の硝子展ですが、考えてみればこれは陶器や磁器ではきわめて正統的な行き方なんですね。

ただ、昨年に日本ガラス工芸協会のかなり大規模な展覧会を拝見した印象がまだ多少残っているのですが、やはり、ガラス工芸ではオブジェや機能性を離れた方向に流されてゆく、というか、何かそういう力、中からの力であるか、外からの力であるかなどと考え始めるとまた難しくなりますが、そういう力が働いているのは否定できないような気がします。

今回の展覧会でも目立たないところで、さりげなく新しい試みがされていることが感じられました。照明器具つきの飾り板や小さなオブジェ、文鎮などがその範疇に入るかもしれません。

という次第でガラス工芸はまだまだ流動的で、それだけに楽しみも大きいかもしれません。ただこれからの時代環境が硝子にとってどのようなものになって行くことか・・・


さて、今回は当方、ひとつ思いつきで、このような用途、あるいはジャンルのガラス工芸品が欲しい、という提案をさせていただきました。それというのは一種の文鎮ですが、開いた本を開いたままの状態で押さえることのできる文鎮です。文鎮と言ってよいのかどうかはわかりませんが。

この提案には寺澤氏にも興味を持っていただけたようです。それで当方としてはこの件で来年に期待することとなりました。

この提案については次回、別のタイトルで、少々詳しく紹介させていただこうと思っています。

代官山ヒルサイドテラスにおける第12回「’12日本のガラス展と「十人十色」展（昨年9月）

昨年九月、代官山ヒルサイドテラスで開催された表記の日本ガラス工芸協会展と同時に行われた「十人十色」展に行ってきました。と言っても、今はもう翌年の3月初めになってしまいました。このこと自体、不手際と言えば実に不手際で、別に義務でもないとはいえ、また恐らく期待されているわけでもないとはいえ、申し訳ないことです。

今日、この記事を書き始めるにあたって、すでに幾つかの画像をスキャンしてあった筈が今日、使おうと思ったら、見事にパソコンの中に見つからない。同時にスキャンした他の多くの画像も消えているという事故に遭遇してしまいました。左の写真は今回ガラス工芸協会のサイトからダウンロードさせてもらったもの。下の写真はまだ残されていた案内状をあらためてスキャンしました。



さてこの2012年ガラス工芸協会展を見ての感想は、もちろん当方のその時の精神状態と関わってのことですが、端的に言って一種の倦怠感のような、あるいはスランプのようなものでした。作家でもないのにスランプなどという言葉を使うのは畏れ多いですが、鑑賞する側にも当然、それなりの倦怠感もあればスランプある、とでも言うしかないようです。

端的な印象を言ってしまうとすれば、やはり工芸は工芸作品、つまり「道具」、もちろん工具ではなく生活の道具ですが、実用に向くか鑑賞用に向くかにかかわらず、伝統的に「道具」に徹するのが本道ではないかな、という余計な感慨のような印象を持ってしまいました。

もちろん、あるいはもとより、全くガラスの彫刻とかオブジェを認めないというような立場はあり得ないことですが、正直なところ、２、３十年前とあまり変わり映えしない印象だったもので、こんな感想になってしまったようです。

伝統的な工芸作品であれば別に特別な新しさは必ずしも必要ではないと思いますが、芸術的なものを狙うのであればやはりそれなりの新しさとか、特別に個性的であるとか、深みがあるとか、強い印象を与えるものが、どうしても求められるような気がします。


全般的に見て、芸術性を狙ったというか、オブジェ的、彫刻的作品群よりも工芸品的傾向の作品群の方がそれぞれ、着実に充実度を増してきているような印象を持ちました。


ところで、今回の会場は代官山ヒルサイドテラスというところで、このあたりに来たのは初めてです。かつて東横線沿線によく乗っていたころ、必ずこの駅を通過したものですが、なぜか降りたことがなかった。特徴のある駅名なのでなぜか気になったものです。今回、久しぶりに東横線に乗り、初めてこの駅に降り、代官山ヒルサイドテラスなる場所に行った次第なのですが、確かにおしゃれな町のようですね。ヒルサイドテラスという名前はもちろん英語ですが、なぜかフランス語のサインが目立つようです。今日、改めてネットで検索してみたら、結構由緒のある町並みでもう40年も経過しているそうですが、私がこの名前を知ったのは今回が初めてでした。帰り際に歩道橋の上から携帯電話で写真を撮ってみました。取りやすかったもので。

すると手前の方から突然、祭りの集団が現れ、

お神輿です。

空に焦点を合わせると、町はもうこんなに暗く写ります。

帰る間際の黄昏の空は澄んだ秋空でした。

十人十色展のE棟ロビーギャラリー
10人という人数の多さで、全体でかなりのボリュームがあり、多彩な作品群でした。

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　

ベルリン国立美術館展

ベルリン国立美術館展、先の金曜日の夕方、上野の国立西洋美術館にて。

あれこれ考えずに、とりあえず、早いうちに当日の印象をそのままメモをしておこう。

最初の部屋は15世紀の木彫が主だった。大理石や石灰岩、テラコッタ、うわぐすりのかかった彩色彫刻なども数点あったが、木彫は殆どがドイツと、イタリア以外で以北の北の国々の作品だったのに対し、それ以外はだいたいがイタリアの作品であったことを興味深く思った。

その木彫の材質が気になって一つ一つ確認したが、殆どが菩提樹であった。灰色でち密。確かに木彫に向いているのだろう。一つだったかクルミの木で掘られたのがあり、明るい茶色でやや華やかな色である。ただ一つ、特別に細密な彫刻があったが、これはツゲ材であった。あちらにもツゲはあるのだなと思った次第。

この種のドイツを中心とした（と思う）木彫をまとめて見るのは二回目である。一回目はこの同じ国立西洋美術館で開催された「聖なるかたち」展で、その時に珍しくも購入してあったカタログを見直してみると、1994年である。あれからもう18年・・・

当時に比べても確実に視力は低下している。近距離用の眼鏡を持って来ればよかったのだが、持ち合わせなかった。仕方なく眼鏡を外して眼を近づけて見る。多くは眼鏡を外して見られるほどには近づけないが、サイズの小さな作品が多いこともあって中にはガラス越しではあっても20センチよりも近よれるものもあった。裸眼ではっきり見えるまで近づくと、さすがに生々しいまでに表情がよく見える。多くは美男美女ではない、いわゆる味のある表情である。

ともかく日本の神像なども含めて中世の木彫には惹かれるものがある。今回、本筋とはあまり関係がないが、殆どが菩提樹の木材で彫られていることがわかった事は、個人的に一つの収穫だった。なぜか菩提樹材がこういう彫刻に用いられてきたことが喜ばしく思えるのである。


あとはだいたい16世紀以降の絵画と素描で、特定の個人作家に重点が置かれる構成ではなかった。有名作家として、クラナッハ、デューラー、ベラスケス、レンブラント、フェルメールの作品が一、二点ずつで揃えられている。もっとも、有名作品以外の小品や素描では他にもミケランジェロやルーベンスなど、超有名作家の作品もあった。


クラナッハの作品は二点とも小さい。美術館の門の横に巨大な写真が掲げられているルターの肖像の実物も実物は肖像画としては小さい方だろう。上横を向いた顔の角度がピタッと決まっている感じ。

ただ一つのレンブラント作品「ミネルヴァ」も写真複製の印象に比べてずいぶん小さい。しかし遠くから見ても一目で惹きつける強烈さがある。暗い背景と光のあてられたミネルヴァとの強烈なコントラストは本当に油絵でしか出せないものだと感心してしまった。


素描を主とした部屋では素描に用いられた各種の画材が展示されていた。中国や日本では事実上墨と筆だけであったのに比べると興味深い。西洋のこの時期、中世以降から近代にいたるまで長期にわたって飽くことなき写実の追及が続けられていたことがわかる。いささか息苦しくもある。


疲れたが、欲を出して常設展もひと通り、（彫刻はスルーしたが）見た。ここの常設展は二度程見たことがある。印象派が沢山という印象が強かったが、今回のベルリン国立美術館展に合わせてかどうか、中世や近代以前の作品で初めて見たといえる作品が意外と沢山展示されていた。中にはいくつかの新収作品もある。いずれもベルリン国立美術館展の展示とは異なり、ガラスをかけず、照明も明るく、いくらでも近づいて見られるようになっている。スマートフォンで写真を撮っている人がいたが、監視員は無視していたから、写真撮影は誰にもOKになっているのかもしれない。


後からネットで名前を確認したが、新収作品にデンマークのハンマースホイという作家の「ピアノを弾く妻イーダのいる室内」があった。この作品は比較的最近のテレビ番組で紹介されていたことにすぐ気付いたが、実作を見ると確かに強い印象を与える作品である。


以上、印象列記。

国立博物館「ボストン美術館 日本美術の至宝」と国立新美術館「セザンヌ」

先月31日に東京国立博物館、「ボストン美術館 日本美術の至宝」に、今月の8日には国立新美術館、「セザンヌ」に行ってきました。

どちらも国立ですが、一方は博物館、一方は新美術館です。同じ国立でもかなり様子が違っています。国立博物館の方は4時頃に行ったのですが、相変わらず5時閉館で、4時過ぎに入館すると、早く見るようにと職員にせきたてられます。他方の新美術館は、金曜には8時閉館です。調べてみるとどちらも独立行政法人で文科省管轄であることも変わらないようですが、博物館の方は「国立文化財機構」、新美術館の方は「国立美術館」で、美術館という名前のすべての国立美術館が所属することがわかりました。


日本では美術館と博物館とが分けられていますが、博物館だからといって国立博物館は科学博物館と同一の組織というわけではなく、国立博物館は国立文化財機構に所属するのに対して科学博物館は単独の独立行政法人であるようです。どうもすっきりしない感じがしますが、言葉の意味やカテゴリーはまあこんなものかも知れないですね。欧米のミュージアムという、広い概念はあった方が良いような感じもしますが、一方、博物館という言葉も悪くないような気もします。


さて、 ボストン美術館日本美術の至宝展は、さすがに素晴らしい見応えのある展覧会でした。明治維新後に見捨てられていた古美術品を評価したフェノロサとか他の欧米人収集家の慧眼が評価されていますが、しかしこういう作品群を見ると彼らがこういう作品に魅了されたのは当然で、なんの不思議もないことのように思われます。

最初に橋本雅邦の比較的新しく傷みもほとんど無いきれいな仏画があり、それに続いて各時代の精緻きわまりない仏画が並んでいましたが、こういうきれいな仏画はこれまであまり見る機会が無かったような気がします。

吉備大臣入唐絵巻と平治物語絵巻は、どちらも写真でなじみ深いものですが、やはり本物の迫力は、―大きさではなく、実物であることの迫力はすごいものがありますね。視力が劣っている上に照明も暗くて満足のゆくようには見えないにも関わらず、これはわかります。最近はデジタルテレビで映像の画質が向上し、結構感動していましたが、やはり絵画と自然についていえば、映像にリアリティーを望むことは無理なこと今更ながら思い知らされました。というよりも、本物を見るたびにいつでも繰り返し思い知らされることのようです。特に平治物語の、おびただしい数の人物が精緻な線で克明に描かれている様子は迫真力が感じられました。

最後に、テレビでも紹介され、解説されていた曽我簫白の雲龍図。個人的には、本物を見る前にはなんだか荒っぽく雑な印象を持っていたのですが、本物を見ると少しも雑ではなく、細部も緻密できめ細やかなことで印象を新たにさせられました。やはりこれも本物を見て始めてわかることだった、というより私にとってはそうだったということですね。複製でも価値のわかる人はやはりそれだで鑑賞力あるいは想像力が高いということでしょう。


次にセザンヌ展のほうです。

この展覧会では最初の初期、最後の晩年の他、中間は風景、身体、肖像、静物というように題材別に分けて展示していましたが、なるほどセザンヌの場合はこういう区分けが適しているようです。

以下、少し、というよりかなり変ですが、文体を変えます。

このセザンヌ展の初期、風景、身体の各セクション。眺めながらいろいろ考えが頭の中を巡っているようであるし、どの絵も軽い印象はなく、見続けて退屈することもない。しかし考えたといってもそれを言葉にすることは難しい。といって言葉にできないほどの強烈な印象を受けたというわけでもなく、ただ言葉が出てこないだけのようだ。言葉にできるほどには、前提となる知識、鑑識眼、あるいは鑑賞力がないということか。

肖像画のコーナーではセザンヌ夫人、画商、少年、農夫、庭師の肖像、それぞれ堂々とした各種人物の肖像が展示されている。興味深いのはルノワールのような可愛い少女の肖像がないことだ。日本風にいえば美人画が欠落している。単にモデルの問題かも知れないが、セザンヌらしいといえば言える。ただあらゆる対象を網羅するという精神とはあまり関係がないようである。

こういった、年齢とか階層とか職業とか、教養とかの違い、または個人の個性の違いによる表情の表現とか表現力といったものはよく話題になることだが、この日考えたこと、というのは、絵になる以前の各人の表情そのもの、人間の表情そのもののもつ含蓄、不思議さ、神秘性を感じた次第である。こういうことはクレーが追求していたことかも知れない。

本展の圧巻はやはり晩年の「サント=ヴィクトワール山」と「りんごとオレンジ」ということになるのだろう。今回、個人的には「りんごとオレンジ」の方がより圧巻であると感じた。見続けることで得られる充実感、充足感はやはり圧倒的な印象である。赤とオレンジ色から得られる色の満足感も同様。

見終わった後、新美術館の門前から対岸を眺める。六本木のあたりも土地の起伏が激しい。

日本ガラス工芸協会展「ガラスの波紋」とガラス個展「寺沢彰紘硝子展」

つい先日、かなりの短期間に国立博物館と国立新美術館に行きましたが、まずその前に今回は先月に訪れたガラス展二つの記憶をとどめておこうと思います。

先月、５月の８日の日曜日に訪れたガラス展「ガラスの波紋」も、始めて訪れてから、もう数回目になります。旧知の作家以外の作家についても名前と作品の傾向にはいつしか馴染んできて年ごとの変化にも多少は気づくようになってきました。

全般的に言えることですぐに気づくことは、年を追うごとに作品が小振りになってきていることです。しかし、それが産出力や意欲の低下とかを意味するのではなく、本来の大きさ、あるべき大きさに落ち着いてきたのではないかと、筆者には思われます。言ってみれば形式と内容との一致度が高まってきているのでは？　平たく言って成熟して落ち着いてきているというのでは？という印象があります。

もともとガラス工芸にはあまり大きなものは似つかわしくはない面もあるのでは、とも思えます。特に精緻な加工を施す作品にとってはそれが言えるような。もちろんこれはそう画一的にとらえるべき問題ではないと思いますが。

そんなわけで、この展覧会も年々親しみやすいものになってきているような気がします。今流行の「かわいい」傾向の作品群も多くなってきているような感じもありますね。

「かわいい」とは何か、美学的にどういう意味を持つのか、というのは今ここで実に興味深い問題にも思えてきたましたが、今急にそんな詮索を始めてもどうにもなりません。理屈抜きで、今ここにある作品群はかわいいと同時に美しいし、かわいくはなく美しい作品、かわいさとは別の美しさを持つ作品と同様に価値があるし、個人的にもそういう可愛く楽しい作品は好きです。

今回、こういった各種の作品群を見て感じたことのつは、理屈抜きで、自分もこういうものを作りたいな、こういうものを作って生活できれば幸せだろうな、という実に単純素朴な感慨でした。現実に私は過去にもそう考え、ガラス工芸の学校に入った次第ですから。結果的にそうならなかったのにはもちろん自他それなりの理由があり、今からまた始めることにはならないでしょうが、それにも関わらず、そういうあこがれの気持ちは消えることは無いのですね。

（付記。今回、出展者の広沢さんと後藤さんにお会いすることができ、顧客にはならなかったにもかかわらず、同じガラス工芸学校に居合わせたよしみで、いろいろ有益なお話を伺うことができました。お二方ありがとうございました。）

ちなみに、後藤さんの作品はこの「硝子の波紋」展としては今回初めて拝見させていただきました。今回の全般的な傾向と同様に小振りでありますが、色を一切使っていない点で傾向として少数派であり、先に述べた「かわいさ」の要素は少ない作品群です。お話によるとドイツ製の無色板ガラスを材料にして軟化させて作成した一輪挿しに使えそうな造形作品ですが、用途、あるいは器としての形式を用いることは重視していないそうで、基本的に純粋造形作品、あるいはオブジェであるとのことです。

このドイツ製無色板ガラスは日本で普通に見られる板ガラスよりは遙かに着色が少ないようですが、純粋無垢で表面もなめらかなクリスタルガラスではなく、無色とは言ってもごくわずかに不純物、おそらく鉄に由来するごく薄いくすんだ緑色がついています。確かに、純度の高い完全無色透明のクリスタルガラスでは、純粋造形にも向いていないことはわかります。

確かに彫刻でも真っ白な石膏彫刻ではそのまま作品にはなりにくい。石、木、ブロンズ、と、素材の味わいが欠かせません。陶磁器その他、あらゆる工芸は、一定の天然の要素を残した材料を用いています。完全無色透明なクリスタルガラスを用いて後から色やテクスチャーを加えるガラス工芸はその点でユニーク、異色ともいわれますが、ガラスでも純粋造形作品あるいはオブジェを目指す場合にはやはりそれなりに適した産地といえるものがあることがわかるように思います。陶磁器の原料などに比べると遙かに純度が高く、産地との関係は少ないとはいえ、やはり産地との関わりが無視できないということが面白いですね。もちろん技術面での土地とのつながりもあります。


翌日の9日はこれも例年の寺澤さんの硝子展です。

こちらはガラス展ではなく硝子展です。

実際に使える器が主体となっている点は以前のとおりで、ガラス工芸協会などの主流とは多少離れていますが、このように実際に使える器は、陶磁器では依然として主流であるようですがこれはガラスと陶磁器の重要な違いと言えるように思います。

寺澤さんの行き方は陶磁器的感覚に近いと言えると言えますが、もちろんランプシェードのような陶磁器では作りにくいようなものもあります。最近はオブジェとは言わずオーナメントにも守備範囲を広げてこられたようです。

下の写真はちょうど筆者の今のニーズにぴったりだったので買い求めたペーパーウェイトです。この完全透明なクリスタルガラス中に浮かぶ青い色の破片は普通の室内、特に机の周辺ではあまり見ることのできない異質な色調で、ちょうどLED電球のスタンドで照らし出すと室内で青空を垣間見るような印象です。蛍光灯下ではこの青さは得られません。試してみましたが、直射日光で見る色調や昼間の散乱光で見る色調とも少し異なります。

このペーパーウェイトの青をきっかけにLED電球や蛍光灯の光についていろいろと考えさせられることがありました。いずれにせよ仕事机にこういう色調があるのは精神衛生に好ましいような気がします。ただし少なくとも筆者の場合、蛍光灯だけではそれほどの効果なしです。

途中で話が別の方向にそれてしまったようですが、そういえば当日も作者とLED電球について話題にしたことを思い出しました。ランプシェードにLED電球を使用することに関してです。ランプシェードといえばどうしても暖かみが求められるようで、作者はまだLEDの色に不満を持たれているようですが、少なくとも蛍光灯に比べて一段とガラス工芸にとって好ましい素材というか、アイテムが登場してきたようです。

ガラスの小盃の写真

しばらく記事を更新していませんでした。ここでちょっと拙い写真でも載せてみることにします。実のところ、今回の記事は別のブログのために書いたものですが、当ブログのカテゴリーにも該当しますので、重複してこちらにも掲載することにしました。主題の小盃（展示されていたタイトルを覚えていればよかったのですが、ワイングラスとも言えないし、大きさから考えてとりあえず小盃としておきます）は前回の記事で取り上げた展示会で買い求めた広沢さんの作品です。ちなみに奥のほうに写っている陶器はやはり本ブログ2010年5月の記事で取り上げた展示会で買い求めたもので、和田忠実さんの作品です。

写真と文字、音楽と工芸

二か月ほどまえ、ちょっとしたついでの折に、携帯のカメラで何枚かの写真を撮った。それというのは、以前購入したガラス工芸作家の小品である小さな盃に白ワインを注いでみたのである。そうすると、うす黄色い透明なワインが注がれると、いかにもぶどうの果実を思わるように見えたのである。といっても普通の赤紫色をしたぶどうの外観色ではなく、皮をとったぶどうの粒か、それともマスカットのような色である。とにかくその器に注いだものをみるとぶどうの粒のような感じがして面白いものだなと思い、ちょっと写真をとってみたのである。しかし器が小さいのでそれひとつを撮るのも寂しいと思って、近くにあったものをとり合わせて何枚かとってみたのだが、撮った結果を見るとその時はどれもつまらない写真にしか見えず、そのままにしておいた。それをつい最近、携帯電話の画面で何気な見てみたところ、結構いいではないか、と思うのが一枚だけあった。それがこの写真である。もちろん自分でちょっといいなと思っただけで、他人が見てもいい写真に見えるとは思っていない。ただ、下にまとめた4枚の写真よりは写真として出来がいいと思ってもらえるのではないかと思う。


なぜこれだけがいいと思ったのか、考えてみると、他の写真と同様にCDケースと組み合わせて撮っているのだが、これだけは実はCDボックスであり、テーブルの上に立てることができたのだった。それでBEETHOVENの文字が上部の正面から右半分を占め、はっきりと読むことができ、写真全体のタイトルであるかのようにさえ見える。少なくとも文字の意味するところのベートーベンという人物のことが直ぐにわかるようになっている。CDボックスの四角い形とあいまって、その時はなにかモニュメントか墓碑のように見えたのかも知れない。そしてワインの盃はお供えのように見立てられたのである。撮るときはそんなことまで考えたことはなかったのだが。

下の、CDが写った写真では、構図的にも収まりが悪いが、ただありあわせのCDをなんとなく、特に意味もなく組み合わせただけという感じで、大した意味が感じられない。

やはり写真も、より具体的な意味が読み取れることでこそ、美しく見えるのだということに改めて気付かされたような気持ちである。とくに文字が映される場合、文字の意味がやはり重要な意味を持つのだなということである。文字の意味といってももちろん受取り手によって様々である。これがベートーベンとは気づかれない場合もあるだろう。しかしその場合でも、その位置と大きさ、書体などから何らかの重みのある意味を感ぜられるということはあると思う。

奥のほうに写っている陶器はどのように見られるだろうか。これは実は急須であって、機能的な意味ではあまり前の盃ともCDボックスとも関係がなく、偶然に写ったように見えるかも知れない。実際、取るときは本当によく考えもせず、構図に入れただけである。第一これは急須で合って、機能的にはワインともベートーベンとも、まったく別世界のものである。ただここでは急須には見えず、ただ陶器であることだけは誰にも見て取れると思われる。ただし一応は意識的に入れたように記憶している。ただ構図上、何かなければ寂しいと思ったのかも知れない。それにしても普通には、意味が感じられないと思われる。

ところが、後から気がついたのだが、これも意味的に、CDボックスに関連付けることができるのである。ただ、それは殆ど100パーセント、私個人による勝手な意味づけに終わるようなものである。しかし、説明を加えれば多少は分かってもらえる可能性のあるような意味づけであると言える。というのは、

BEETHOVENの下の行にやや小さい文字で、「ピアノフォルテのためのソナタ集」とフランス語で書かれている。その下にさらに小さい文字で書かれているのは古楽器による演奏という意味だろう。これは日本では「フォルテピアノ」と呼ばれるところの、ベートーベン時代の複数の古楽器によるベートーベンのピアノソナタ全集（演奏はパウル・バドゥラ=スコダ）だからである。

最近はCDといえば中古しか買わず、ボックス入りの全集などもまったく買うこともないのだが、最近はフォルテピアノの音色に魅せられているところがあって、かなり高価なボックスを購入してしまったのであった。なぜか、もちろん四六時中ではないにしてもピアノの音色に対する興味が頭から離れないのである。音楽のプロでも、アマチュアでもなく、楽器としてのピアノに関わりがあるわけでもなく、音楽の鑑賞者としてもマニアックには程遠いのだけれども、そうなのである。これについては1月6日の記事に書いている。

そのフォルテピアノの音色は陶器に例えられると思ったのである。現代ピアノの音を磁器に例え、それに対してフォルテピアノの音を陶器に例えるのがふさわしい、フォルテピアノの音色をうまく表現できるのではと思っていたのである。もっとも陶器の持つ土の感触はピアノの音色に比較するにはちょっと違和感があるかも知れないが、磁器を現代ピアノに比し、対にして考えれば結構当を得ているのではと思う。こんなことを考えていた事が無意識的に働いて、写真をとるときにこの陶器を配置したのかも知れない。

テーブルの材質が木目印刷の合成樹脂で味わいの乏しいのが大きなマイナス点。構図的にもおそらくイマイチだろうと思う。同じ構図で何枚も取っていれば多少はもう少し良いのが撮れたかも知れない。